È un momento d’oro per i Callous Daoboys. La band statunitense ha pubblicato da qualche mese il terzo album in studio “I Don’t Want To See You In Heaven” e si prepara ad un tour europeo da headliner (che passerà dal Legend Club di Milano il 13 febbraio) che non li ha mai visti con questi numeri. Di questo e di molto altro – compresa la necessità di non prendersi mai sul serio – abbiamo parlato con il chitarrista Dan Hodsdon.

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Ciao Dan, benvenuto su SpazioRock! Ormai è passato qualche mese dall’uscita di “I Don’t Want To See You In Heaven”. Dal punto di vista musicale, l’album mantiene lo stile caotico e dissonante che vi contraddistingue, ma presenta anche elementi melodici molto più evidenti rispetto al passato. Al primo ascolto sono rimasto piacevolmente sorpreso dall’equilibrio che siete riusciti a raggiungere sia lungo la tracklist sia all’interno dei singoli brani. Detto questo, volevo chiedervi: durante il processo di scrittura, quanto eravate consapevoli di utilizzare elementi sonori che in passato avevate esplorato meno, e quanto è stata una scelta deliberata spingervi maggiormente in quella direzione?

A volte esito a definirla una decisione consapevole e vera e propria. A volte capita semplicemente di avere una parte che richiede assolutamente un feeling samba, oppure che abbia bisogno di wub dubstep. Altre volte abbiamo una parte che è semplicemente così e strutturiamo una canzone attorno a quella. Non ci approcciamo mai a un brano pensando: “Ok, rendiamolo assurdo, casuale e folle solo per il gusto di farlo”. Non credo che con un approccio del genere si possa ottenere un risultato davvero coeso.

In alcuni brani dell’album avete collaborato con altri artisti. Come sono nate queste collaborazioni e cosa vi fa capire che una canzone ha bisogno di un contributo esterno?

Penso che dipenda molto dal feeling generale della parte su cui chiediamo all’ospite di intervenire. Un ottimo esempio è il featuring di Adam Easterling in “Tears On Lambo Leather”. Jackie [Buckalew, ndr] aveva scritto un breakdown che sembrava un pezzo degli Orthodox, devastante. A quel punto abbiamo detto: “Fanculo, chiamiamo Adam”.

Dopo l’uscita dell’album avete già fatto tour negli Stati Uniti e in Europa, entrambi molto riusciti. Com’è stato integrare i nuovi brani nello show dal vivo? Avete dovuto cambiare qualcosa?

In realtà l’unica cosa che cambia è decidere con quali brani aprire il set e come dosarne il ritmo, in modo che non diventi estenuante — non solo per il pubblico, ma anche per noi — già dopo le prime tre o quattro canzoni. Per fortuna ora abbiamo più brani che non richiedono di lanciarsi sulla testa della gente o di incitare tutti a salire sul palco e pogare con noi per i microfoni; ora possiamo finalmente prenderci una pausa ogni tanto. Credo che avere un catalogo ampio di canzoni aiuti molto in questo senso. Spesso, prima di un tour, parliamo di quali pezzi vorremmo suonare di più o, magari, quali vorremmo suonare un po’ meno [ride, ndr].

A febbraio tornerete in Europa e suonerete anche in Italia, a Milano. Avete suonato lì circa due anni e mezzo fa come headliner (escludendo il tour con i Tesseract), ma questa volta sarà in un locale più grande e in un contesto diverso. Cosa dobbiamo aspettarci da questo concerto?

Penso che dovreste aspettarvi una ricompensa enorme per averci seguito per tutto questo tempo. La prima volta che abbiamo suonato in Italia è stata una sorpresa incredibile, e siamo davvero entusiasti di tornare a suonare di nuovo con i Mr. Hygh.

L’ultimo vostro concerto che ho visto è stato quest’anno all’ArcTanGent Festival. Avendovi già visti un paio di volte in passato, ho avuto la sensazione che stiate crescendo costantemente come live band. Cosa ha significato per voi suonare sul Main Stage di un festival così importante per il vostro genere, davanti a un pubblico numeroso e così entusiasta?

Quel festival è davvero il festival dei super fan. Non era solo importante per noi suonare sul palco principale, ma per me è stato altrettanto importante vedere i miei amici nei Rolo Tomassi essere le vere star dell’intero weekend. Il loro concerto mi ha fatto piangere come un bambino dall’inizio alla fine. Sentire di essere arrivati a toccare lo stesso livello dei nostri eroi e dei nostri amici è una sensazione unica. E ArcTanGent ci fa sentire delle superstar ogni volta che ci andiamo — suoneremmo lì ogni singolo anno, se potessimo.

Siete una band giovane e, ora al terzo album in studio, state riuscendo a emergere nonostante suoniate un genere considerato di nicchia e non sempre facile da ascoltare. Avete fissato degli obiettivi per il futuro?

Scrivere altra musica bella e fare altri concerti belli per altra gente bella che vuole ascoltare musica bella.

Credo che, oltre all’indubbia qualità del vostro songwriting, alla vostra tecnica e al vostro sound estremamente eclettico e caotico, una delle cose che apprezzo di più di voi sia il vostro entusiasmo e la vostra capacità di non prendervi troppo sul serio. Come vivete questo aspetto all’interno della band e quanto è importante per la vostra coesione come gruppo?

La mia domanda per tutti gli altri è: ma è divertente essere sempre così seri? Non è bello ridere? Non è bello divertirsi un po’? Divertirsi è la priorità numero uno e, se mi sto divertendo, probabilmente sto anche ridendo. È musica incredibilmente intensa, e credo che “non prenderla troppo sul serio” sia fondamentale per portare un po’ di leggerezza non solo nella musica, ma anche nello show dal vivo. Prendiamo il nostro lavoro estremamente sul serio e proviamo come dei dannati per riuscire a suonare quello che abbiamo creato, quindi se arrivo al punto in cui posso fare il completo idiota sul palco, ma suonare comunque ogni singola nota esattamente come è stata scritta, lo farò senza pensarci due volte.

Grazie mille per questa intervista. Ci vediamo in tour!

Grazie a te! Ci vediamo a Milano!

— ENGLISH VERSION —

Hey Dan, welcome to SpazioRock! Let’s start with your latest album, “I Don’t Want To See You In Heaven”. From a musical standpoint, the album retains your trademark chaotic and dissonant style, but it also features noticeably more melodic elements compared to the past. When I listened to it for the first time, I was pleasantly surprised by the balance you managed to achieve both across the tracklist and within the individual songs. With that in mind, I wanted to ask: during the writing process, how aware were you of using sound elements that you may have explored less in the past, and how much of that was a conscious decision to push further in that direction?

I sometimes hesitate to call it an outright, conscious decision. Sometimes we will just have a part that absolutely calls for a Samba feel or needs dubstep wubs. Or sometimes we have a part that just is that and we structure a song around it, it’s never approaching a song like “oh let’s make this ridiculous and random and crazy just for the sake of it.” I don’t think you really get a cohesive result with an approach like that.

On some of the album’s songs, you collaborated with other artists. How did these collaborations come about, and what usually makes you feel that a particular song needs an external artist?

I think it has to do with the general feel of the part that we have them feature on. A great example is the feature that Adam does on Lambo Leather. Jackie wrote a breakdown that sounded like an Orthodox part with your house, falling down and we were just like “Fuck it, Let’s get Adam.”

You’ve already toured the United States and Europe after the release of the album, and those tours have been very successful for you. What was it like integrating the new songs into the live show? Was there anything you had to change?

Really the only thing that will change is deciding what songs to open with and how to pace the set so it’s not exhausting for not just the audience, but also us, within the first three or four songs. Thankfully, we have more songs now that don’t call for us running across peoples heads or encouraging everyone to get on the stage and fight us for microphones; now we can actually get a breather every so often. I think having a large catalogue of songs helps with that, too. Most of the time leading up to a tour we talk about what songs we wish we were playing more or what songs we might even want to play less, hahaha

In February you’ll return to Europe and you’ll also play in Italy, in Milan. You played there about two and a half years ago as headliners (not counting the tour with Tesseract), but this time it will be in a larger venue and in a different context. What should we expect from this show?

I think you guys should expect a huge pay off for sticking with us for this long. That first time we played Italy was such a huge surprise and we’re really excited to be playing with Mr. Hygh again

The last show of yours I attended was at ArcTanGent this year. Having seen you a couple times before, I got the sense that you’re constantly growing as live performers. What did it mean to you to play on the Main Stage of such an important festival for your genre, in front of a large crowd that responded so enthusiastically to your performance?

That festival really is the super fan festival. It wasn’t just important for us to be playing the main stage there, it was also so important to me to see my mates in Rolo Tomassi be the stars of the entire weekend. That set made me cry like a baby from start to finish. Being able to feel like we’re touching the same levels of our heroes as well as our peers is a feeling unlike any other. And ATG makes us feel like superstars every time we go, we would play that festival every single year if we could.

You’re a young band and, now on your third studio album, you’re managing to break through despite playing a genre that’s considered niche and not always easy to listen to. Have you set any goals for the future?

Write more dope ass music and play more dope ass shows to more dope ass people that want to hear dope ass music

I believe that, beyond the undeniable quality of your songwriting, your technical skill, and your incredibly eclectic and chaotic sound, one of the things I appreciate most about you is your enthusiasm and your willingness to not take yourselves too seriously. How do you experience this aspect within the band, and how important is it for your cohesion as a group?

My question for everyone else is, is it fun being so serious all the time? Doesn’t it feel good to laugh? Doesn’t it feel good to have a jolly? Having fun is the number one priority and if I’m having fun, I’m probably going to be laughing. It’s incredibly intense music, and I think “not taking it too seriously“ is really important to bring some brevity to not just the music but the live show as well. We take our craft extremely seriously, and we all practice our asses off to pull off what we have created, so if I get to the point where I can be an absolute buffoon on stage, but still play every note exactly as it was written, I’m gonna do it.

Thank you so much for this interview. See you on tour!

Thanks man! I’ll see you at home